Quentin Tarantino’s Best Songs, BSOs


http://www.youtube.com/watch?v=kPgFnRdTcKE (Reservoir dogs)

http://www.youtube.com/watch?v=KtzRJgZG98I (Jackie Brown)

http://www.youtube.com/watch?v=Ik-RsDGPI5Y (Pulp Fiction)

http://www.youtube.com/watch?v=cF3UgGNvHWw&feature=related (Pulp Fiction)

http://www.youtube.com/watch?v=aBws-gApi0A&feature=related (Kill Bill)

http://www.youtube.com/watch?v=RSIET_P9Ckk&feature=related(Kill Bill)

http://www.youtube.com/watch?v=YlPrvzPolYA (Kill Bill)

http://www.youtube.com/watch?v=dF-fKECmLQA (Kill Bill)

http://www.youtube.com/watch?v=1hgUx9h3nU4 (Inglourious Basterds)

http://www.youtube.com/watch?v=yi-U-kyrTqk&feature=&p=788EE50F900FC681&index=0&playnext=1 (Inglourious Basterds)

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Published in: on January 26, 2011 at 1:15 pm  Leave a Comment  
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Personajes Femeninos De Peso En Sus Películas

Mia (Pulp Fiction, interpretada por Uma Thurman)

Mia no es precisamente la mujer que una madre querría para su hijo. Consume drogas, está casada con un verdadero capo mafioso, no tiene modales, es mentirosa y es infiel. Todo en uno. Aquí Tarantino nos muestra una mujer calculadora a veces, aunque otras actúa sin pensar (como cuando esnifa la heroína por error, creyendo que era cocaína) y que hace pactos en contra de su marido. En una escena, Jules le pregunta a Mia que por qué su marido Marsellus tiró a otro gángster llamado Antwan desde un quinto piso. Se decía que había sido por hacerle un masaje en los pies, y le hizo la pregunta para cerciorarse de si era cierto o no. Ésta le responde que no, que lo único que le tocó fue la mano. Poco después, cuando Mia esnifa la heroína por error, después de la inyección de adrenalina, Mia y Vincent sellan un pacto con un choque de manos. El pacto consiste en que ninguno de ellos dirá nada de lo ocurrido esa noche. Este choque de manos es a lo que se refiere Mia con que Antwan le tocó la mano, es el mismo gesto, por lo que Mia lo que hizo fue un pacto con Antwan, para no comentar nada de lo que había pasado esa noche.

Jackie Brown (Jackie Brown, interpretada por Pam Grier)

Jackie Brown es, ante todo, una persona honesta. O al menos así la veo yo. Una mujer que no pasa por el mejor momento de su vida, con muchos problemas económicos y que acude para solventarlos a un traficante de armas. Con un trabajo con el que puede ayudar (azafata de vuelo), Ordell ve rápidamente en ella una puerta por la que entrar armas a América. Jackie es también muy valiente, pues vender al traficante de armas que te contrató es de personas con valentía. Yo no sería capaz, pero nuestra heroína sí que lo es. No tiene nada que perder y todo por ganar, y es por lo que se crece. Y lo que puede parecer a priori un incidente malo para la finalización de la trama (la muerte de Melanie, interpretada por Janet Fonda), termina facilitando los objetivos de nuestra protagonista.

Beatrix Kiddo (Kill Bill Vol. 1 y Kill Bill Vol. 2, interpretada por Uma Thurman)


Es de los personajes más entrañables y a su vez crueles con los que podemos encontrarnos. Poco sabemos de su pasado. Lo más atrasado en el tiempo que sabemos de Beatrix es que fue entrenada por Pai Mei (Gordon Liu), un maestro en artes marciales que también entrenó en su día a Bill (David Carradine). Después de estar un tiempo aprendiendo técnicas con Pai Mei y, sobre todo, aguantando con filosofía sus castigos (tanto físicos como psíquicos), éste terminó por cogerle cariño e incluso le enseñó “The Five Point Palm Exploding Heart Technique”, una técnica consistente en golpear el corazón en cinco puntos de presión y éste, de momento, explota. La convivencia con Pai Mei fue muy dura, pero hizo que Beatrix se convirtiera en la más letal del escuadrón.

Esta personalidad que adquirió hizo que, cuando fue atacada y salió del coma cuatro años más tarde, no pensara ni un segundo que lo que quería era venganza, vengarse de sus supuestos amigos y anteriores colegas, vengarse de su expareja, la persona que había intentado matar y que había provocado la muerte del bebé que esperaba la propia Beatrix. No podía esperar más, y por eso se puso manos a la obra.

Compró un billete para Okinawa para pedir al maestro Hattori Hanzō (Sonny Chiba) una katana para consumar su venganza, y éste le concedió el deseo por la sencilla razón de que Bill había sido discípulo suyo y sentía que, en parte, había sido por su culpa todo lo que le había ocurrido. En un mes, la katana estuvo realizada y, con ella, viajó a Tokio para hacer su primera visita: O-Ren Ishii. Durante el trayecto confeccionó la lista de las cinco personas que iba a matar y la primera era la propia O-Ren.

Pero para llegar a O-Ren, había que pasar por su comité, a lo que accedió gustosamente para enfrentarse finalmente con ésta, dándole el mismo destino que a los anteriores.

Después vuelve a EE.UU., y hace una visita rápida a Vernita Green (Vivica A. Fox), que, tras tener una charla poco amistosa, termina clavándole un cuchillo en el pecho.

El tercero en la lista es Budd (Michael Madsen), que curiosamente muere por la picadura de una mamba negra (el apodo de Beatrix Kiddo en el escuadrón), aunque ella no tiene nada que ver en su muerte. La que lo había provocado era Elle Driver (Daryl Hannah), que mató a Budd (era hermano de Bill, el jefe de todos), apodado Sidewinger, soltando la mamba negra en su autocaravana.

Pero poco le duró la alegría a Elle Driver, que poco después se encontró con Beatrix. Hay que decir que Beatrix también sabe perdonar, y no mató a Elle, simplemente le arrancó el único ojo que le quedaba.

Y finalmente fue en busca de Bill, apodado Snake Chamber (encantador de serpientes), a terminar de saldar cuentas, y descubre que su hija no había muerto, sino que seguía viva y estaba con su padre. Ambas se van de la ciudad a emprender un viaje y a empezar desde cero, después de utilizar Beatrix “The Five Point Palm Exploding Heart Technique” contra él.

O-Ren Ishii (Kill Bill Vol. 1, interpretada por Lucy Liu)

Apodada Cottonmouth (Mocasín), tuvo una infancia muy difícil que le afectó en su personalidad, convirtiéndola en lo que es en la actualidad. De ascendencia japonesa y chino-americana, cuando era una niña vio cómo el jefe yakuza Matsumoto asesinaba a sus padres. Sobrevivió porque se escondió quieta y callada debajo de la cama donde fueron asesinados ambos. Años más tarde, logró su hacerse pasar por prostituta, y aprovechó el momento con Matsumoto para vengar a sus padres. Con 20 años era una asesina de élite y con 25 empezó a trabajar con Bill.

Después del ataque a Beatrix, volvió a Japón y se hizo jefa de una organización mafiosa, por lo que para nuestra vengadora no fue difícil encontrarla. Sólo que O-Ren tenía un grupo, “The Crazy 88”, pues ella tenía protección, su ejército personal porque era una persona importante que se había rodeado de gente importante. Y ello le hacía feliz. Antes de lo que pasó en la capilla, O-Ren y Beatrix habían mantenido una relación casi como de hermanas, por lo que la traición fue mayor por parte de O-Ren. Finalmente, tras una lucha en un jardín nevado, O-Ren muere bajo la ira de la katana de Beatrix.

Gogo Yubari (Kill Bill Vol. 1, interpretada por Chiaki Kuriyama)

Es una joven psicópata de 17 años, una sanguinaria asesina que pertenece al grupo “The Crazy 88”. Tiene detalles que la enfrentan, como su vestimenta de niña de colegio, pero en realidad es una perturbada que disfruta asesinando personas. Se le ve en la mirada que no siente nada, simplemente se siente realizada cuando quita la vida de algún ser humano. Es como Dexter Morgan, alguien que ha sufrido tanto que no puede volver a experimentar cualquier tipo de emoción. Como el resto, muere a causa de la katana de Beatrix, aunque para ésta, matar a Gogo es algo especial, como un reto por el curriculum de ésta última, como ver si sigue siendo la mejor después de cuatro años en coma.

Vernita Green (Kill Bill Vol. 1, interpretada por Vivica A. Fox)

Es el miembro del escuadrón del que menos conocemos, junto con Budd, y sólo sabemos que su apodo es Copperhead (Cascabel) y que es muy buena con los cuchillos. Cuando atacaron a Beatrix en la capilla, Vernita se retiró del escuadrón, yéndose a Pasadena y formando una familia allí. Se casó con el Dr. Bell y teniendo una hija: Nikki. El personaje de Vernita no es tan complejo como otros que aparecen en la trama, sólo que se retiró de su vida como asesina porque no podía más, después de haber atacado a su propia compañera en la “Masacre de Dos Pinos”. En sus ojos podemos ver compasión, algo que Beatrix desconoce. Por esa razón, dudó en el último disparo, dándole tiempo a Beatrix a quitarse para lanzarle un cuchillo

Elle Driver (Kill Bill Vol. 1 y Kill Bill Vol. 2, interpretada por Daryl Hannah)

Apodada California Mountain Snake (Crótalo de California), siempre ha vivido en su época en el escuadrón como la segundona, y así se siente ella. También es vengativa, aunque no racional. Intentando siempre que Bill se fijara en ella, vivió recelosa por Beatrix. También fue entrenada por Pai Mei, aunque debido a su falta de respeto éste le arrancó un ojo, usando un parche negro para taparlo. Después de esto, ella asesina a Pai Mei envenenándole la comida. Es codiciosa y también sádica, lo vemos cuando compra a Budd la katana Hattori Hanzō de Beatrix, metiendo dentro del maletín con dinero una mamba negra.

En su enfrentación final con Beatrix, es la única que no muere, aunque nuestra protagonista le arranca el único ojo que le quedaba.

Jungle Julia (Death Proof, interpretada por Sydney Tamiia Poitier)

En el día de su cumpleaños, decide ir con dos amigas a tomar algo a un bar. Trabaja en la radio, y en su programa dijo que esa noche iba a salir por Austin, Texas y que iba con amigas, que una de ellas accedería a hacerle un baile sensual si recordaba una frase que ella misma había dicho en la radio. Está enfrentada con Pam desde que estaba en el instituto, y ambas tienen el mismo final, una muerte rápida debido al coche de “Stuntman” Mike.

Arlene (Death Proof, interpretada por Vanesa Ferlito)

Traicionada por Jungle Julia, accede a hacerle un baile sensual a “Stuntman” Mike. Lo único que sabemos de su pasado es que su novio le ha dejado plantada esa misma noche, por lo que esto actúa como desencadenante del baile.

Pam (Death Proof, interpretada por Rose McGowan)

Después de haber sido la mejor amiga de Jungle Julie, se pelearon y fueron adversarias durante años en el instituto. “Stuntman” Mike se ofrece a llevarla en su coche, un coche a prueba de muerte, con la cabina reforzada, pero no la parte del copiloto. El coche de Mike era utilizado en películas para los accidentes. Pam, una vez dentro del coche, muere por los giros bruscos del conductor.

Zoe Bell (Death Proof, interpretada por Zoe Bell)

También es especialista de cine, al igual que Mike. Viaja con sus amigas a Lebanon, Tennessee para conducir un Dodge de los 70 para jugar a “Ship’s Mast”, consistente en que un de ellas se sube al capó del coche y con dos correas de cinturón amarradas a las puertas del coche, conducen a toda velocidad. Mientras está subida, Mike las persigue chocando contra ellas, aunque no le pasa nada porque parece como de goma. También quiere venganza, por lo que después de haber sido perseguidas por “Stuntman” Mike, decide cambiar los papeles de gato y ratón, siendo Mike cazado por ellas tres y sufriendo por parte de ellas una tremenda paliza.

Abernathy (Death Proof, interpretada por Rosario Dawson)

No sabemos nada de su pasado. Cuando está en el coche siendo perseguida por Mike, le entra el pánico por sus amigas. Finalmente también quiere venganza, siendo ella la que le da el golpe final a “Stuntman” Mike, acabando con su vida.

En este enlace muestro una imagen de cada una de las actrices en su papel en cada una de las películas de Tarantino nombradas.

Marta Jiménez

Published in: on January 26, 2011 at 12:53 pm  Leave a Comment  
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Inglorious Basterds

Sinopsis

Bajo el marco de la ocupación alemana en Francia, en la Segunda Guerra Mundial, Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) consigue escapar tras presenciar la ejecución de su familia a manos del coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz) y huye a París, donde comienza una nueva vida como dueña de un cine.
En otro rincón de Europa, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) organiza un grupo de soldados judíos conocidos por el enemigo como “The Basterds” (Los cabrones). Los hombres de Raine se unen a la actriz alemana Bridget Von Hammersmark (Diane Kruger), una agente secreta que trabaja para los aliados, con el fin de llevar a cabo una misión que hará caer a los líderes del Tercer Reich. El destino quiere que todos se encuentren bajo la marquesina de un cine donde Shosanna espera para vengarse.

Producción y Crítica.

Tarantino reescribe el género a través de la historia

La institucionalización y repetición de determinados códigos cinematográficos para representar a la Segunda Guerra Mundial ha transformado a todas esas ficciones en una calle de sentido único. Sus imágenes han perdido la perspectiva del tiempo amanerándose hasta el punto de exigir un mayor barroquismo visual para continuar funcionando, aunque sea a medio gas. Una prueba de ello es la —moralmente— confusa Valkyria (Valkyria, Bryan Singer, 2008), así como Los gritos del silencio (The Killing Fields, Roland Joffé, 1984) que, hace veinticinco años, asentó esas bases estéticas en su manera de testimoniar la dictadura de la Khmer rouge en Camboya. Para inspirar el sentimiento de pérdida del amigo desaparecido en los campos de la muerte, Joffé hacía gravitar un cúmulo de referentes cultos —Puccini y su famosa pieza del Turandot, por ejemplo— que hipertrofiasen su raquítico sentido de la imagen. Pero continuaban siendo imágenes pese a todo.

Singer, Mark Herman, Lajos Koltai y cualquier otro de los cineastas que se han adentrado en el barrizal de la memoria cinematográfica nunca entenderá que es absurdo perseguir un grado de ficción o de representación de la realidad que, actualmente, ha sido rebasado. Serán cadáveres exquisitos para un cine que «respira contingencia,  que carece de cualquier sentido prefijado y apela a nuestra propia responsabilidad como constructores de todo relato» (Nancy, Jean-Luc, “La evidencia del filme”, Errata Naturae, 2008). Ésa misma que exige reconstruir un relato agotado abriendo así nuevas posibilidades para reflexionar hacia dónde nos llevan.

En Malditos bastardos Quentin Tarantino remonta la Historia a la manera de Godard. En Histoire(s) du cinéma (Histoire(s) du cinéma, 1988-98) el cineasta suizo toma las diferentes imágenes y las superpone. De la tensión entre el rostro de Gelsomina en La Strada (La Strada, Federico Fellini, 1954) y el suicidio del niño de Alemania, año cero (Germania, anno zero, Roberto Rossellini, 1948) surge el gesto trágico de la ruptura moderna. De la dialéctica que pueda mantener el extracto de un libro escogido al azar de entre el montón que conforma su biblioteca, un itinerario secreto que hace vibrar el sentido de las imágenes del pasado con la posibilidad de un nuevo significado. Tarantino hace lo propio con su visión de la Europa de los 40′, en la que no duda en extrapolar tantos referentes como le sea posible para destruir el carácter orgánico y totalizador de su ficción, y poder construir otra, con tantas ramificaciones como amplia sea nuestra imaginación. Pero de esa apuesta visual se desprende otra aún más potente: la correspondencia que pueda darse entre esa renovación formal y el sentido ético —el nuevo, así como aquel que ya aparece nada más referirnos al Holocausto— al que sus imágenes remiten.

La reinvención de la Historia

La toma de posición de Tarantino con respecto a la Historia es sencillamente extraordinaria. En su inicio, la llegada del coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz) gira, por un momento, en el eje del despiadado Sentenza (Lee Van Cleef) de El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto e il cattivo, Sergio Leone, 1966). El caballo es sustituido por el coche fabricado en Alemania, pero se mantiene el subrayado musical de Morricone y, sobre todo, la perversa unión que dota de un carácter no banal —el arquetipo cinematográfico preferido para retratar al oficial nazi— y sí, en cambio, maquiavélico al villano de la función. De un golpe, Tarantino confiere a su criatura un aire de enemigo temible, fascinante y repulsivo; pone en relieve a una figura de cuyo silencio se ha nutrido el dolor de los demás. Porque, y ése es otro detalle, Malditos bastardos exorciza el dolor de las víctimas a través de su venganza, devolviéndoles el golpe con las mismas armas con las que el Tercer Reich extiende su hegemonía: el lenguaje, las imágenes.

El orgullo de la nación, filme de apología totalitarista, cuyo estreno centra la parte final de la película de Tarantino, es el arma de destrucción masiva que manipula el director de Knoxville. Lo hace transfigurando su significado, tal y como anteriormente hizo con Landa o como hará con los mismos Bastardos. Introduce, a modo de contraplano a la imagen de héroe nacional de Frederick Zoller (Daniel Brühl), el discurso vengativo de Shosanna (Mélanie Laurent) pervirtiendo así, mediante sus imágenes, aquellas que previamente habían dislocado el sentido del relato —el lenguaje/la imagen nazi como corruptora/instrumentalizadora del hombre y su discurso— y reduciéndolo a cenizas para que nadie más pueda escucharlo; silenciándolo a la manera nazi, como si nunca hubiese existido.

El sentido del desenlace planteado por Tarantino es el de rodar una catarsis metacinematográfica. Rehabilitar las imágenes desgastadas por el fascismo y la representación temerosa de romper con el signo trágico de éstas. Y, para ello, sólo cabe remontar el material previo; redescribir el mundo cinematográfico y tratarlo como una contingencia sobre la que podemos construir un nuevo mundo. Pero que obliga a desmontar el sentido del previo si no queremos acabar cosificados por su valor reverencial, tal y como sucede en otras ficciones sobre el Holocausto. De ahí que rehabilitar las imágenes liquidándolas con la fuerza de esas mismas imágenes implique necesariamente reinventar la historia, es decir, matar a Hitler.

¿Y ahora qué?

En De Anima escribe Aristóteles que las imágenes vienen a ser lo que las sensaciones. El cuerpo de Hitler cosido a balazos —por si acaso la risa enloquecida de Eli Roth mientras le ametralla no fuese suficiente— es un buen ejemplo. Hay un deseo explícito por materializarla ya que, de alguna manera, marca el final del relato y de sus efectos colaterales. Parece que sin Hitler —y Goebbels, y Hess, y el cine de alpinistas; sin su discurso más extendido y popularizado— el resto de atrocidades se desmoronan como un edificio en ruinas. Tarantino es consciente de que eso no es así y de que, en efecto, sin la parte del león el resto del engranaje podía funcionar maquinalmente. Sin embargo, la muerte de Hitler sí permite desembalsamar ese dolor reprimido y paralizado en nuestro interior a modo de sentimiento colectivo. Es una imagen que desencadena a la ficción, al cine, de todos sus imperativos morales y la libera de su incapacidad para retratar escrupulosamente la realidad tal como fue.

Tarantino abre y cierra simultáneamente las puertas de la ficción. Sabe que la clave radica en jugar con los arquetipos, mezclarlos con sus propios códigos forjados durante su carrera, para que adquieran un relieve que, en cierto modo, los vacíe de esa retórica gilipollas que redirige siempre al mismo punto. Pulverizando las imágenes, Hitler y los nazis son hombres sin mundo, porque aquél sólo existe en el sentido de constreñir a la masa con su lenguaje. Sin el lenguaje neutro y aséptico, Hitler sólo es otro cuerpo más preparado para recibir una ráfaga de metralleta. Se acaba esa Historia porque se redescribe, se hace contingente —olvidando la necesaria pleitesía a la memoria—, se barniza de sensaciones y, finalmente, se clausura mediante la emoción de reducir el mal absoluto a una masa reconocible de villanos sin espacio ni arraigo ni pertenencia en la iconosfera parida por Quentin Tarantino.

Michel Foucault señalaba lo inútil que podía llegar a ser seguir una huella cuyo rastro remite a la diferencia. Con  Malditos bastardos Tarantino prefiere recorrer un camino alternativo creado a base de cortapegar y reformular estructuras pilladas de aquí y de allá, de cuya tensión surja un nuevo mundo de imágenes que bailen frente a nuestros ojos; que rimen a David Bowie con la solución final y la Blitzkrieg con Billy Preston. Pero que estimulen al espectador a reflexionar sobre sus mismos mecanismos de reflexión y, como mínimo, le revuelvan en la butaca sin necesidad de maximalismos ni discursos triunfalistas. Al fin y al cabo, el filme concluye con la presencia de Hans Landa como el futuro villain —cruel, amoral, práctico y esencialmente actual— que capitalizará la ficción cinematográfica de ese nuevo mundo. De nuestro mundo. (Información extraída: Miradas de Cine) http://www.youtube.com/watch?v=5sQhTVz5IjQ

Published in: on January 26, 2011 at 12:36 pm  Leave a Comment  
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Kill Bill vol.2

Sinopsis

Después de eliminar a sus antiguos colegas O-Ren Ishii (Lucy Liu) y Vernita Green (Vivica A. Fox) en “Kill Bill: Vol. 1”, La Novia (Uma Thurman) pone punto final a su sed de justicia en la segunda entrega de la serie. La Novia ya ha eliminado a dos de sus enemigos, pero aún le quedan otros dos en su lista negra: Budd (Michael Madsen) y Elle Driver (Daryl Hannah), antes de centrarse en su último objetivo: matar a Bill (Da-vid Carradine).

Producción y Crítica

Sin duda mucha gente se habrá sorprendido al acercarse a Kill Bill Vol.1 y se ha hallado perdida al no encontrar en el film tres de las constantes del cine de Tarantino: La primera haría referencia a lo simplista de la trama, básicamente una venganza no muy diferente de las que emprendía Charles Bronson en Yo soy la justicia o Steven Seagal en Por encima de la ley, pero en formato femenino, como en la magnífica La novia vestía de negro de François Truffaut. La segunda versaría en lo referente a los diálogos de la cinta, exiguos frente a la tendencia a la verborrea que poseían los gángsters de Reservoir dogs, Pulp fiction y Jackie Brown, o el realizador de éxito de Hollywood interpretado por Tarantino en su episodio para Four rooms, los personajes de Kill Bill Vol.1, hablan poco y claro, dejando que la forma se coma el fondo, siguiendo una plena tradición oriental. La tercera haría referencia al juego de las elipsis, muy marcadas en sus dos primeros films, alejada de ella en Jackie Brown, su film de corte más clásico hasta la fecha -y con el guión de mayor entidad dramática- y sobre la que parece volverse a alejar en este nuevo film… salvo por una excepción: siempre aparece en off o en flash-backs difusos la matanza a cargo de la banda de Bill (John Carradine en un papel pensado para Warren Beatty), Deadly Viper Assassination Squad, de todos los presentes en la boda de La Novia (Thurman) que dará pie a la consecuente venganza.

Este es un término que repito mucho en los artículos, pero esta vez, se me antoja imposible no decirlo, por que Kill Bill Vol.1 es la película que mejor se adhiere a la sentencia: la cuarta película de Quentin Tarantino es una pura fiesta cinematográfica. Un espectáculo para ir a disfrutar como nunca en el cine, viendo Kill Bill Vol.1, uno tiene la sensación de estar emborrachándose (en el mejor y más divertido sentido del término) en la sala de proyección, es una de esas películas en que deberían dejar quemar las butacas después de haber ha disfrutado tanto. A la postre, no es que no importe que la trama no sea existencialista, es que no puede haber otra para un film de estas características. Y, ¿quién dice que en el cine tengas que sentarte a reflexionar ante cualquier obra? Decir que Kill Bill Vol.1 es un espectáculo hueco no es un ataque, es una definición que en absoluto es perjudicial. Pretender que el film tenga un mayor entramado dramático sería como pretender ponerle una pelea de jiu-jitsu a La eternidad y un día o cambiar la banda sonora de In the mood for love por El canto del loco. A Tarantino además le sobran cuatro líneas de argumento para construir un film que mantiene la coherencia formal de la alambicada e imprescindible Pulp fiction -una de las obras cumbre de los 90-, con multitud de idas y venidas tejiendo un entramado cuyo fin no es tan importante como las transiciones, y es que pocos films tan previsibles acaban resultando tan apasionantes.

La falta de diálogo en Kill Bill Vol.1 pone de manifiesto que es lo que interesa al realizador contar. Este film no necesita de verbo para la descripción de entramado y personajes, Tarantino basa toda su fuerza en la imagen, y ¡qué imagen!, es aquí donde las elipsis del atraco en Reservoir dogs y la pelea de boxeo en Pulp fiction resultan contraproducentes. Kill Bill Vol.1 no se calla nada, y lo hace, con la fiereza y sanguinolencia que resultaría de conectar en el tiempo los films de los Shawn Brothers, Akira Kurosawa y Bruce Lee con los de Takeshi Kitano, John Woo y Takashi Miike (todo ello bajo la atenta mirada de Sergio Leone). Desde luego, buscar la lectura ética en la violencia de Kill Bill Vol.1, resulta tan útil como buscarle valores humanos a Ichi, the killer o Hard-boiled, en este punto es clave la labor artesanal de Tarantino a la hora de confeccionar las diferentes coreografías de lucha del film, en especial la salvaje batalla final, censurada para todo el mundo occidental en blanco y negro -único defecto de toda la película- y manteniendo su versión original para los países orientales. Hay que entender el espectáculo de los cuerpos cercenados y la sangre a chorros como parte del gran wuxia horror picture show propuesto por Tarantino, el film, que prácticamente evoluciona como un musical -de nuevo en el cine de Tarantino, la BSO de la película, se hace imprescindible para su disfrute- está coreografiado como tal, y la fiesta que nos propone el realizador de Reservoir dogs parece tener acceso restringido a los estómagos más sensibles (nada que objetar, mientras no prediquen ideologías fascistoides en contra del film). Por supuesto estoy alabando la obra de Tarantino desde un punto de vista lo suficientemente freak, para saber que, de la misma forma que el aficionado a las artes marciales, al anime, al gore más esteticista, a la socarronería fílmica, etc… puede tener un orgasmo de éxtasis en la sala de proyección, el aficionado que desconozca por completo cualquiera de estos productos (sub)culturales, puede disfrutar prácticamente de igual manera del mismo. Tarantino se hace suya la vía del exceso y la recicla adaptándola a su manera de hacer/comprender el cine, que el espectador esté preparado para disfrutarlo es ya cosa de cada uno.

En esta entrada incorporo tres imágenes, la primera imagen trata sobre la escena en la que Bill interrumpe el ensayo de boda, y las otras dos son imágenes de Uma Thurman.

(Sinopsis y Producción, FilmAffinity)

(Crítica: Marta Jiménez, información extraida de Miradas de Cine)

http://www.youtube.com/watch?v=NSR7xRGBnOE

Published in: on January 26, 2011 at 12:17 pm  Leave a Comment  
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Kill Bill vol.1

Sinopsis

Uma Thurman es una asesina que, el día de su boda, es atacada por los miembros de la banda de su jefe, Bill -David Carradine-. Logra sobrevivir al ataque, aunque queda en coma. Cinco años después despierta con un trozo de metal en su cabeza y el deseo de venganza en su corazón.

Producción

Kill Bill es una película épica de dos partes dirigida por Quentin Tarantino. Uma Thurman actúa en el papel de Beatrix Kiddo, un personaje conocido durante la película simplemente como “la Novia” que decide vengarse de Bill (David Carradine) y su escuadrón. Otros miembros del reparto incluyen a Vivica A. Fox, Lucy Liu, Michael Madsen, Sonny Chiba y Daryl Hannah. Debido a la duración de cuatro horas de la película original, se decidió durante la producción separar la película en dos partes, llamadas “Volumen 1” y “Volumen 2”, lanzadas en octubre de 2003 y febrero de 2004 respectivamente.

La película comenzó con una dedicatoria al director japonés Kinji Fukasaku,y estuvo inspirada en la película de animación japonesa Blood: The Last Vampire. Una edición diferente de la película fue lanzada específicamente para Japón, y fue estrenada varias semanas más tarde. Mientras que la versión estadounidense muestra la escena de la batalla contra el grupo “Los 88 maníacos” en blanco y negro, la versión japonesa y europea la muestra totalmente en color. El rodaje de la película duró 8 meses y muchas de sus escenas fueron filmadas en Japón. Miramax es la distribuidora en los Estados Unidos.

En esta entrada os muestro tres imágenes increíbles de la película, la primera muestra la escena final de lucha contra O-ren ishii, al igual que la segunda imagen. La tercera escena Uma lucha contra GOGO.

(Sinopsis y Producción FilmAffinity)

Published in: on January 22, 2011 at 2:22 pm  Leave a Comment  
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Jackie Brown

Sinopsis

Jackie Brown (Pam Grier) es una azafata de vuelo que, necesitada de dinero, hace de correo para Robbie, un mafioso buscado por la policía. Todo parece ir bien, hasta que un día es sorprendida en la aduana y acusada de tráfico de drogas y evasión. Para evitar ingresar en prisión, la policía sólo deja a Jackie una salida: ayudarles a llegar hasta Robbie.

Producción

Jackie Brown es una película de crimen y thriller de 1997, escrita y dirigida por Quentin Tarantino. La protagonizan Pam Grier, Robert Forster, Robert De Niro, Samuel L. Jackson, Bridget Fonda, y Michael Keaton. Fue la tercera película de Tarantino después de su éxito con Reservoir Dogs (1992) y Pulp Fiction (1994).

Esta película está considerada como la película de Blaxploitation de Tarantino, al igual que Reservoir Dogs es su película de atracos, Pulp Fiction la de cine negro, y Kill Bill la de artes marciales.

La película fue muy criticada por los seguidores de Tarantino, ya que es un muy diferente estilo del de sus dos anteriores filmes; ésta cuenta una historia no tan violenta, tiene una narración más clásica y relajada y la sangre no es tan abundante. Sin embargo, fue bien recibida por la crítica especializada.

Está basada en la novela Rum Punch de Elmore Leonard. Tarantino extrajo los diálogos del libro casi iguales (otra razón del disgusto de sus fans: los diálogos tienen diferente estructura).

Crítica

Una vez Quentin Tarantino alcanzó la gloria con “Pulp Fiction”, con premios en Cannes, con un Oscar que lo elevaba al olimpo de Hollywood, se convirtió en el cineasta joven llamado a renovar el cine norteamericano. En torno a su figura y sus únicas dos películas se formó todo un fenómeno fan que alcanzaba cotas insospechadas. También es cierto que el propio Quentin aportaba un valor añadido: carácter extrovertido, verborrea abundante y ganas de convertirse en un estrella mediática sin complejos.

Todo eso fue lo que logró tras su enorme éxito. Pero también conseguía enamorar a la mayor parte de la crítica especializada, había conseguido todo un hito con ‘Pulp Fiction’ y el futuro era algo que se mirarían más ojos y con mayor intensidad. También sus detractores, que de todo tiene que haber a pesar de su sobrada demostración de talento, estaban al quite para asestarle un golpe al menor tropezón. Sin embargo, Quentin se dedicaría a crecer como figura y tardaría, pero llegó con un nuevo título en 1997. ‘Jackie Brown’ sería la menos tarantiana de sus películas (inclusive hasta el día de hoy), era una reinvención, una forma de reivindicar que su cine era algo más que sangre, violencia y fama desmedida.

Al comienzo de la entrada os muestro la caratula de la película.

(Sinopsis y Producción, FilmAffinity)

(Crítica, Marta Jiménez e información necesaria de Miradas de Cine)

Published in: on January 20, 2011 at 6:47 pm  Leave a Comment  
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Pulp Fiction :)

Sinopsis

Jules y Vincent son dos asesinos a sueldo que trabajan para Marsellus Wallace. Antes de realizar uno de sus “trabajos”, Vincent le confiesa a Jules que Marsellus le ha pedido que cuide de su novia, Mia. Comienzan a hablar sobre lo peligroso de sobrepasarse con la novia del jefe, pero llega la hora de trabajar y ambos deben ponerse en faena. Su misión: recuperar un misterioso maletín.

Producción

Protagonizada por John Travolta, Bruce Willis, Samuel L. Jackson y Uma Thurman, entre otros. Debido a sus eclécticos diálogos, su combinación irónica de humor y violencia, y sus múltiples referencias cinematográficas y a la cultura pop que fueron tan utilizadas múltiples veces posteriormente, influyó en la forma de hacer cine. Es considerada también una de las películas más representativas del cine realizado por Tarantino.

Se estrenó en mayo de 1994 en el Festival de Cine de Cannes, donde consiguió la Palma de Oro. Posteriormente fue galardonada con el Globo de Oro al mejor guión y obtuvo siete candidaturas en la 67ª edición de los Premios Óscar, si bien solo ganó el Óscar al mejor guión original. Asimismo, recibió más de cuarenta premios internacionales y otras tantas nominaciones.

Crítica

Visto el fenómeno con la perspectiva que dan los años, sobre todo respecto a la carrera cinematográfica que ha desarrollado su autor, se hace evidente que la abrumadora acogida de crítica y público de la que gozó en su momento Pulp Fiction (1994) le venía un poco grande a un film que, seamos sinceros, pese a conservar muchas virtudes, se ha desinflado con el tiempo —lo que no significa que mereciera los (injustos) ataques lanzados por los detractores habituales de su director—. Está claro que aquí Quentin Tarantino no podía ofrecer ya la frescura, la espontaneidad de su anterior Reservoir Dogs (1992), y que todavía tenía que reflexionar mucho, y pegar unos cuantos bandazos artísticos, antes de llegar a conseguir la libertad expresiva alcanzada, mal que le pese a los que minusvaloran semejante díptico, en Kill Bill: Vol. 1 (2003) y Kill Bill: Vol. 2 (2004). Este homenaje, de claros ecos godardianos, a las clásicas crook stories de publicaciones a lo Black Mask, tiene la vocación de ser una película de culto instantáneo —y, eso hay que reconocérselo a su director/guionista, lo consiguió con creces— y es lo que precisamente acaba lastrando a una propuesta tan pendiente de su propia posmodernidad que, por momentos, pierde la perspectiva de lo que está contando, que no de a quién se lo está contando.

A continuación os pongo la imagen de la caratula de la película.

(Sinopsis y Producción: FilmAffinity)

(Crítica, Marta Jiménez y alguna información necesaria de Miradas de Cine)


Published in: on January 20, 2011 at 6:38 pm  Comments (1)  
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Reservoir Dogs

SINOPSIS

Una banda organizada formada por seis individuos es contratada para dar un golpe. Anteriormente varios de los miembros no se conocían entre sí, por lo que entre ellos usan nombres en clave. El objetivo: atracar una empresa para llevarse unos diamantes. Pero, antes de que suene la alarma, la policía ya está allí. Algunos mueren en el atraco, y el resto se reúne en el lugar convenido.

Producción

Debut de Tarantino como director, y protagonizada por Tim Roth, Harvey Keitel, Steve Buscemi, Michael Madsen, Chris Penn y Lawrence Tierney. La actuación de Tarantino es de menor trascendencia, como también la del escritor exconvicto, Eddie Bunker. Reservoir Dogs incorpora muchos temas y estéticas que se transformarían y se darían a conocer como sellos propios de Tarantino, como director y guionista.

Tarantino, quien en sus inicios trabajó como empleado en una tienda de vídeos en Los Ángeles, originalmente iba a filmar la película junto a sus amigos con un presupuesto de 30.000 dólares, un formato de 16 mm y el productor Lawrence Bender sería quien realizaría el papel de “Eddie Cabot”. Sin embargo, el actor Harvey Keitel se involucró en el proyecto por vía de la esposa del profesor de actuación de Bender, la cual entregó una copia del guión a Keitel, quien estuvo no sólo de acuerdo en tener un papel en el film, sino también en coproducirlo. Con la ayuda de Keitel, los realizadores fueron capaces de aumentar el presupuesto a 1,2 millones de dólares para la realización del film, demasiado extenso para una película realizada de forma independiente, pero una pequeña fracción de lo que sería una típica producción de Hollywood. La película desde ese entonces es vista como un importante y muy influyente hito del cine independiente.

Crítica

En pocas ocasiones podemos asistir al debut tan contundente de un cineasta. Allá por el año 1992, un joven envenenado por una cinefilia aguda y amante tanto del cine clásico como de productos de serie Z (además de las series televisivas, la películas asiáticas de Kung Fu, los cómics o la música de los setenta), encontró la inspiración suficiente en un soberbio guión, que acabó convirtiéndose en la génesis de un nuevo estilo de hacer cine. O al menos en una nueva forma de contar lo que ya se conoce.

Puede cuestionarse si Quentin Tarantino creó algo realmente original con ‘Reservoir Dogs’, y motivos existen, pero no se puede negar que supo convertir su particular punto de vista de un cine explosivo, divertido, fragmentado y visualmente absorbente en una película que sentaría las bases del tarantinismo.

En esta entrada muestro una imagen de la caratula de la película, y la imagen de una de las escenas mas importantes de la película.

(Sinopsis y producción extraídas de FILMAFFINITY)

(Crítica, Marta Jiménez, con información de: Miradas de Cine)

http://www.goear.com/listen/f85d59d/stuck-in-the-middle-with-you-stealers-wheel

Aquí os dejo el trailer de la película:

Published in: on January 20, 2011 at 6:20 pm  Leave a Comment  
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Filmografía

Las películas en las que Quentin Tarantino aparece como guionista y director son:

  • My Best Friend’s Birthday (1987)
  • Reservoir Dogs (1992)
  • Pulp Fiction (1994)
  • Four Rooms (1995)
  • Jackie Brown (1997)
  • Kill Bill Vol.1 (2003)
  • Kill Bill Vol.2 (2004)
  • Grindhouse: Death Proof (2007)
  • Inglorious Basterds (2009)
Published in: on January 20, 2011 at 6:08 pm  Leave a Comment  
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Tarantino’s life

Quentin Jerome Tarantino nació en la localidad estadounidense de Knoxville, ubicada en el estado de Tennessee, el 27 de marzo de 1963. En el momento de nacer, sus padres, Tony, un estudiante de derecho, y Connie, estudiante de enfermería, solamente tenían 21 y 16 años.

La pareja bautizó a su hijo con el nombre de Quentin basándose en el personaje de Burt Reynolds (Quint Asper) en la serie televisiva del oeste “Gunsmoke”.

Tony y Connie se divorciaron poco después de la boda y a los dos años de edad, el pequeño Quentin se trasladó con su madre a Los Angeles, ciudad en la cual Connie contraería matrimonio con Curt Zastoupil. Desde niño e influenciado por su madre, Tarantino acudía a menudo al cine y consumía música rock, publicaciones pulp y series de televisión. En su adolescencia abandonó los estudios y comenzó a trabajar como acomodador de un cine porno. En 1985 consigue un trabajo en un videoclub, el Video Archive de Manhattan Beach (California), lugar en el cual acrecentaría su ingente cultura cinematográfica. En el videoclub Quentin entabló amistad con el estudiante de cine Roger Avary y conoció al productor John Langley, quien quedó prendado del amplio conocimiento del medio audiovisual que poseían los dos cinéfilos. Langley les contrató para trabajar como asistentes de producción de “Maximum Potencial” (1987), un título de ejercicios destinado al mercado del vídeo en el cual Dolph Lundgren ponía de manifiesto sus habilidades en el body building, las artes marciales o el boxeo.

Avary y Tarantino comenzaron a finales de los años 80 a escribir su primer guión conjunto, “True Romance”, que en 1993 sería adaptado al cine por Tony Scott con el título de “Amor a quemarropa”. Por esa época Quentin dirigió una comedia inacabada titulada “My best friend’s birthday” (1987), co-escrita junto a Craig Hamman.

En los primeros años de la década de los 90, Tarantino conoció al productor Lawrence Bender, quien recibió con entusiasmo el guión de “Reservoir Dogs”. Poco después puso el texto en conocimiento del actor Harvey Keitel. Keitel avaló el proyecto en la producción y la interpretación y comenzaron a rodar el guión. El violento y estiloso thriller “Reservoir Dogs” (1992) cosechó un gran reconocimiento crítico en el Festival de Sundance y se convirtió rápidamente en un título de culto.

El talento cinematográfico de Tarantino, inspirado por un eclecticismo cinéfilo que bebe de fuentes diversas (desde John Woo, Martin Scorsese o Sam Fuller hasta Howard Hawks, Phil Karlson, Sergio Leone o la Nouvelle Vague) y singularizado por una sugestiva estructura temporal, un destacado dominio del espacio cinematográfico y un amplio conocimiento de la cultura pop denotado en sus sagaces textos, se consolidó dos años después con el triunfo de “Pulp Fiction” (1994), un título que revitalizó la carrera de John Travolta, ganó la Palma de Oro en el prestigioso Festival de Cannes y fue nominado a siete premios Oscar, entre ellos, al de mejor película. Quentin Tarantino y Roger Avary lograron la estatuilla al mejor guión original.

En 1994 Tarantino realizó un episodio de la serie de televisión “Urgencias”, antes de dirigir un segmento de la película “Four Rooms” (1995) y retornar al largometraje con “Jackie Brown” (1997), film recibido con disparidad de opiniones que adaptaba una novela de Elmore Leonard. La película estaba protagonizada por la reina del blaxploitation, Pam Grier.
En el año 2003 estrenó “Kill Bill: Vol. 1”, una película de artes marciales en donde recupera la figura de David Carradine, el protagonista de la mítica serie de televisión de los años 70 “Kung Fu”.

Junto a su faceta como director, Quentin Tarantino ha aparecido como actor, al margen de sus propias películas, en títulos como “Duerme conmigo” (1994), “Alguien a quien amar” (1994), “Johnny Destiny” (1995), “Desperado” (1995), “Abierto hasta al amanecer” (1996), “Girl 6” (1996) o la comedia “Little Nicky” (2000).

Como guionista escribió las películas “Amor a quemarropa” (1993) de Tony Scott, “Asesinos natos” (1994) de Oliver Stone (aunque descontento con los resultados sólo apareció como creador de la historia) y “Abierto hasta al amanecer” (1996), realizada por Robert Rodríguez.

Como productor ha intervenido en “Sombras del pasado” (1992), “Killing Zoe” (1994), película que supuso el debut como director de Roger Avary, “Abierto hasta el amanecer” (1996) o “Tú asesina, que nosotros limpiamos la sangre” (1996).
Fue pareja sentimental de la directora y guionista Sofia Coppola.
Actualmente su novia es Julie Dreyfus, actriz vista en “Kill Bill Vol. 2“.

Grindhouse” (2007) es uno de sus últimos proyectos. Para esta sesión doble compartida con Robert Rodríguez, Tarantino dirigió la película con psicópata “Death Proof“.

A continuación os muestro una imagen del director.

Otro de sus proyectos es “Inglorious Basterds” (2009), película bélica ambientada en la Segunda Guerra Mundial. (Información extraída de: El Criticón)

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Published in: on January 20, 2011 at 6:01 pm  Leave a Comment  
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